Theo (Faye) Nangala Hudson est née en 1989 à l’hôpital d’Alice Springs, l’hôpital le plus proche de Nyirripi, une communauté aborigène isolée située à 440 km au nord-ouest d’Alice Springs dans le centre de l’Australie. Elle est née de Mika et Ursula Napangardi Hudson. Theo a fréquenté l’école locale jusqu’à l’âge de 14 ans. Lorsqu’elle a quitté l’école, elle a fait des petits boulots et a ensuite rejoint la patrouille de nuit de Nyirripi, un service qui assure un transport sûr, évite les contacts avec le système de justice pénale et intervient pour prévenir les troubles dans les communautés. Theo est mariée et a trois enfants. Theo a commencé à peindre en 2002, alors qu’elle avait 13 ans, tout d’abord comme un jeu puis vers 2006, elle s’y consacre vraiment. « Je regardais ma grand-mère peindre et j’écoutais ses histoires ». Theo peint les Jukurrpa (rêves) de sa mère et les Jukurrpa de son père, comme le Yuparli Jukurrpa (rêve de banane sauvage) du côté de sa mère et le Pikilyi Jukuurpa (rêve de Vaughan Springs, un thème important pour les Warlpiri) du côté de son père. Ces rêves ont été transmis à travers les millénaires. Theo utilise une palette sans restriction et aime créer des motifs qui représentent une interprétation moderne de sa culture traditionnelle. Lorsque Theo ne peint pas et ne s’occupe pas de sa famille, elle aime aller à la chasse aux Yurrampi (fourmis à miel) et aux Yuparli (banane sauvage).

Theresa Nangala Theresa Campbell Nangala est née en 1985 à Kiwirrkurra, en Australie Occidentale mais non loin de la frontière avec le Territoire du Nord. Theresa peint depuis plus de dix ans et peint régulièrement avec sa mère, l'artiste bien établie Bambatu Napangardi. Bambatu (dit aussi Bombatua) a appris à sa fille à peindre ses histoires et elles collaborent fréquemment sur de grandes toiles ensemble. Bambatu est la veuve de Dinni Campbell Tjampitjinpa, le père de Theresa, également un artiste remarquable du mouvement artistique. La sœur de Theresa, Christine Campbell Nangala, est également une artiste talentueuse.

Theresa Nowee Napaltjarri groupe Kukatja et Pintupi Theresa est née en 1971. Elle est issue d’une famille qui compte plusieurs artistes très réputés. Son père est Brandy Tjungurrayi sa tantes et ses oncles sont Elizabeth Nyumi, Patrick et Helicopter Tjungurrayi. C’est donc tout naturellement qu’elle se met à la peinture. Elle puise son inspiration dans les motifs associés au « Pays » de son père, situé dans la région de Jupiter Well (un point d’eau dans la région très isolée du Désert Occidental (près de Kiwirrkurra). Elle commence sa carrière en 2001. Elle peut peindre de nombreux thèmes : Nynmi, Pintalpa (Bush Tomato), Mungarraui (Seeds of Damper), Kuniua (Ancestral Snake). Cependant, ses dernières années, elle s’est différenciée des autres artistes de Balgo (sa communauté d’origine) en créant un style plus sobre très différent. Parfois ses œuvres sont marquées par un fond presque monochrome souvent dominé par le blanc. Parfois il s’agit pour elle de couvrir simplement la toile de points de différentes couleurs. L’utilisation des bleus, souvent très doux, confère à ses peintures une atmosphère très particulière. Depuis elle a participé à de nombreuses expositions aussi bien en Australie qu’en Asie, et en Europe. Coll : Laverty Collections

Thomas Jangala Rice est né dans le bush en 1938 et a grandi de façon traditionnellement avec son groupe familial près de la ferme d’élevage de Mt Doreen, située à 345 km d'Alice Springs et établie bien avant la création de la communauté de Yuendumu où il vit désormais. Il a appris à chasser avec son père. Il a déménagé à Yuendumu avec ses deux épouses quand il était un jeune homme et a toujours joué un rôle important dans cette communauté. Il a ensuite épousé Jeannie Nungarrayi Egan, qui a des œuvres au Musée du Quai Branly. Il a d'abord travaillé comme traqueur et collaborateur de la police. Il a également travaillé pendant de nombreuses années avec Men's Night Patrol et à l'école en enseignant la culture traditionnelle. Pendant de nombreuses années, il a siégé à plusieurs comités, dont le conseil de Yuendumu, le magasin local, le Central Land Council (CLC) et comme membre du centre d'art Il commence à peindre de façon régulière en 1987. Bien qu'il ait peint de nombreuses histoires, il se concentre essentiellement depuis quelques années sur son Ngapa Jukurrpa (Rêve d'eau) associé au site de Puryurru. COLLECTIONS : Art Gallery of New South Wales, Sydney, Art Gallery and Museum, Glasgow, Akademie Der Kunste Berlin, Australian National Gallery, Canberra, Gantner-Myer Collection, Hida Musuem, Gifu, Japon, Newmont Mining, USA, South Australian Museum, Adelaide

Thomas Stevens Tjakamarra (Né vers 1948 - Décédé en 2005) Groupe linguistique : Luritja/Pintupi, Pitjanjatjara et Yankunytjatjara Région : Areyonga, à l’ouest d’Alice Springs, Territoire du Nord, et Mont Davies, Australie-Méridionale (au sud-ouest d’Alice Springs) L’ouvrage « The Heritage of Namatjira: The Watercolourists of Central Australia », édité par Jane Hardy, JVS Megaw et M Ruth Megaw, mentionne que Thomas était le frère cadet d’Eubia Namatjira, épouse d’Ewald Namatjira. Compte tenu de son appartenance linguistique, il est possible qu’il ait grandi à Areyonga, les familles de cette région ayant des liens étroits avec le territoire Pitjanjatjara. Il fut actif dès le début des années 1980. Il est plus connu pour sa production figurative de paysages d'Australie Centrale à l'aquarelle mais il a aussi peint, lors d'un séjour vers 1985 à Papunya notamment, dans un style plus traditionnel. Plus tard, lorsqu'il s'installa à Alice Springs, son travail renoua avec le style aquarelle d'Hermannsburg. Vivienne Johnson, auteure de « Aboriginal Artists of the Western Desert » ©, mentionne que Thomas reçut le nom de peau Tjakamarra après son mariage avec une femme de Papunya. Il illustra des livres pour le Centre de production littéraire de Papunya. Collections Flinders University Art Museum, Adelaide, SA Expositions : 1985 - The Second National Aboriginal Art Award Exhibition, Museum and Art Gallery of the Northern Territory, Darwin, NT 1988 - Papunya Tula Paintings, Wagga Wagga City Art Gallery, Wagga Wagga, NSW 1991 - The Painted Dream: Contemporary Aboriginal Paintings from the Tim and Vivien Johnson Collection, Auckland City Art Gallery and Te Whare Taonga o Aoteroa National Art Gallery, New Zealand 1991 - Heritage of Namatjira, Flinders University Art Museum, Bedford Park, SA

Thomas est encore jeune lorsqu’en 1984 sa famille prend contact avec la civilisation occidentale pour la première fois. En 1987 il expérimente pour la première fois la peinture sur toile mais cette expérience est de courte durer car son âge et donc ses connaissances ne sont pas suffisantes. Il se remettra à la peinture ultérieurement avec succès. Il s’inspire toujours des Cycles Tingari.

Thompson Yulidjirri (c, 1930 - ) groupe Kunwinjku - Terre d'Arnhem Occidentale – région d'Oenpelli Thompson Yulidjirri est un artiste respecté et un initié important en Terre d'Arnhem occidentale. Pendant de nombreuses années, il a joué un rôle important dans l'instruction des artistes jeunes et émergents de cette région. Il est connu pour ses miniatures d'images de Mimi, ses élégantes représentations de brolgas et de dindon sauvage, ses totems, ainsi que pour ses peintures de la cérémonie d'Ubarr, réalisées à la manière des rayons X. Il a été présenté dans plusieurs documentaires et a voyagé outre-mer pour exposer sa peinture. Il est également un danseur respecté qui, dans le cadre d'une coentreprise avec Stalker Theatre et Marageku Dance Companies, a conçu et conçu la production de Mimi, un spectacle qui a débouché sur une tournée en l'Australie, en Europe et dans certaines régions de l'Asie. Il était également l'un des chorégraphes dans le cadre de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Sydney 2000. Depuis 1984, il a participé à de nombreuses expositions collectives en Australie et à l'étranger, dont l'exposition Traditions in Transit de 1992 à New York, ou l'exposition Power of the Land à Melbourne en 1994. Il a également été chargé de produire une peinture pour le nouvel aéroport de Darwin, qui y est exposée en permanence. Coll NGA, Wellington Gallery, ..

Tilly Napaltjarri Tilly était mariée à Limpy Tjapangardi, artiste de Papunya Tula et homme Luritja Arrente. Elle a appris à peindre en observant son mari à Papunya, mais ce n'est que récemment qu'elle a commencé à peindre au Centre d'art et de femmes d'Ikuntji, après son déménagement à Haasts Bluff suite au décès de son époux. Tilly est profondément sourde et n'a jamais développé de langage oral, mais maîtrise la langue des signes autochtone. Guérisseuse respectée et chasseuse expérimentée, elle chasse régulièrement des plantes comestibles comme le varan et les larves de witchetty. Son tjukurrpa, « Rêve de l'opossum », raconte l'histoire de sa mère poursuivant un opossum à travers la brousse jusqu'au tronc d'un arbre creux, où il s'est réfugié. Sa mère a allumé un feu au trou à la base de l'arbre, faisant sortir l'opossum du tronc enfumé. C'est pourquoi Tilly est sourde et muette : cela allait à l'encontre du rêve de son enfant, et Tilly fut punie pour l'erreur de sa mère. Tilly peint régulièrement le rêve de son père – le chien ou papa tjukurrpa – et vit sur les terres de son père, autour d'Uluru et de Neunman. Tilly raconte les histoires du peuple-chien chassant et commerçant dans ces contrées, lors de leurs voyages vers Haasts Bluff. Les œuvres de Tilly dégagent une grande spiritualité et une magie profonde. Bien qu'elles soient peu connues du grand public, ceux qui les ont découvertes et en ont saisi la puissance sous-jacente reçoivent un précieux cadeau de cette peintre extraordinaire.

Tilo Nangala (Jurra) (1944 - 1990) Groupe Warlpiri - Yuendumu Tilo est originaire de Yuendumu. Ses œuvres ont été montrées dans des expositions prestigieuses comme "Aratjara" (il est alors un des 42 peintres de Yuendumu ayant participé à la création d’un grand format de 7x 3 m figurant dans cette exposition destinée au public européen), « Dreamings – the Art of Aboriginal  Australia» (une expo itinérante destinée aux USA en 1988/89), "Dreamings" (1990 – South Australian Museum). La plupart de ses toiles se concentrent sur les thèmes du Rêve d’Eau et celui du Rêve d’Emeu.

TIMMY PAYUNKA TJAPANGATI (1940 / 2000– Pintupi) Tim est né à l’Est du lac Mc Kay. Ses parents l’ont élevé dans une optique purement traditionnelle. Devenu adulte, il s’est momentanément installé à Haasts Bluff avec sa femme et leur enfant pour, plus tard, dans les années 60, se rendre à Papunya afin de rejoindre un groupe important de Pintupi récemment implanté. C’est là qu’il commence à peindre au tout début du mouvement pictural. Il a longtemps vécu vit à Kintore avant de s’installer à Alice Springs pour des raisons de santé. Cependant il parvient à assumer les importantes responsabilités de la vie liturgique. Timmy est un personnage clé au sein des cérémonies qui se déroulent aux changements de saison sur le site argileux de Panayingi. Celles-ci sont souvent représentées dans ses Rêves Eau, Serpent, Femme qui danse et Dingo. Timmy est l’un des artistes les plus brillants qui ait assisté à la naissance du mouvement artistique. Ses œuvres sont exposées dans le monde entier et font partie d’importantes collections privées et publiques : National Gallery of Australia, Holmes à Court, Australian Museum, National gallery of Victoria, Museums and Art Galleries of the NT, South Australian Museum, … L’une de ses toiles (Cave Story – 1971 – 30 x 46 cm) a été vendue en vente publique prés de 370 000 F en 1999.

Sur l'île de Melville, à quelque soixante kilomètres au nord de Darwin dans la mer de Timor, là où les traditions aborigènes Tiwi ont survécu pendant plus de 40 000 ans dans un isolement relatif, est né en 1958 un artiste dont l'œuvre incarnerait à la fois la préservation d'un savoir ancestral et l'innovation contemporaine. Timothy Cook, membre du peuple Tiwi, est devenu l'un des artistes les plus célébrés et récompensés de son île, transformant les anciennes peintures corporelles cérémonielles en un langage visuel vibrant et universellement reconnu. Les îles Tiwi - Melville, Bathurst et neuf autres îles plus petites - ont développé une identité culturelle distincte du continent australien. La langue Tiwi elle-même est largement unique, résultat d'une période prolongée d'isolement géographique. Malgré la présence de missionnaires catholiques depuis 1911, les cérémonies aborigènes de chant et de danse sont restées largement autonomes, préservant un patrimoine artistique et rituel d'une richesse exceptionnelle. C'est dans ce contexte culturel que Timothy a grandi, dans la région de Mananowmi près de Goose Creek, terre qu'il considère comme son "pays". Élevé par les wulimawi - les anciens - il a absorbé les parlingarri jilamara, les "dessins des temps anciens", ces motifs transmis de génération en génération qui constituent le vocabulaire visuel complexe du peuple Tiwi. Dans les années 1990, le centre d'art Jilamara Arts and Crafts à Milikapiti établit le programme Ngawa Mantawi, qui signifie "Nous sommes tous ensemble et nous sommes amis". Ce programme de soutien inclusif, créé en 1994, vise à permettre aux artistes ayant des besoins divers de développer des carrières durables dans les arts tout en restant proches de leur famille et de leur terre ancestrale. Timothy Cook est l'un des premiers à bénéficier de ce programme révolutionnaire. Depuis la fin des années 1990, il travaille au centre Jilamara, créant des peintures, des gravures et des sculptures. Son parcours illustre parfaitement l'ambition originale du programme : permettre à des artistes ayant des besoins de soutien spécifiques de construire des carrières artistiques significatives sur la scène nationale et internationale. Son succès a ouvert la voie à de nouvelles générations. Timothy est devenu un exemple inspirant pour les jeunes artistes Tiwi et aborigènes qui s'identifient comme ayant un handicap, démontrant qu'il est possible de redéfinir les limites de ce que signifie être un artiste professionnel avec des besoins de soutien. Timothy Cook peint exclusivement avec des ocres naturels provenant localement, appliqués dans un style libre et gestural qui donne à ses œuvres une qualité à la fois spacieuse et méditative. Ses compositions se caractérisent par des combinaisons uniques et frappantes de kurluwukari (cercles), pwanga (points) et marlipinyini (lignes) - les éléments fondamentaux du jilamara, ce système de peinture corporelle qui constitue la culture visuelle complexe du peuple Tiwi. Pendant de nombreuses années, Timothy s'est concentré spécifiquement sur le motif circulaire du Kulama. Cette cérémonie traditionnelle d'initiation des jeunes hommes coïncide avec la récolte des ignames sauvages et se déroule à la fin de la saison humide, en mars-avril, lorsqu'un halo distinctif apparaît autour de Japarra, la lune. Pendant trois jours, les anciens des deux sexes chantent et dansent, accueillant les garçons dans l'âge adulte et leur conférant leur nom d'homme à travers cinq étapes rituelles soigneusement orchestrées. Les cercles dans les peintures de Timothy symbolisent simultanément la lune, l'igname et les cercles rituels de la cérémonie Kulama. Les pwanga - ces points méticuleusement appliqués - reflètent les japalinga, les étoiles qui parsèment le ciel nocturne des îles. Comme il l'explique lui-même avec une directness touchante : "Japarra, c'est la lune - ça veut aussi dire l'Homme-Lune. Il est important pour le peuple Tiwi, ils le savent. Japalinga, ça veut dire les étoiles." Dans la cosmologie Tiwi, la lune est bien plus qu'un simple astre : elle est une métaphore puissante de la vie et de la mort, intimement liée au cycle des marées qui rythme l'existence de ce peuple de la mer. La lune évoque le mythe de Purukapali, figure ancestrale centrale dont l'héritage culturel se révèle dans les motifs géométriques caractéristiques de tout l'art Tiwi. Selon le récit mythologique, Purukapali mourut, une grue vola et urina dans la mer, la transformant en eau salée. Le vieil homme Wirreeween-pinilla but l'eau et cria : "Qui a transformé l'eau douce en sel ? Ah, je vois, nous sommes tous mortels maintenant. Tout a changé et je dois créer de nouvelles lois. Je vous nomme Tiwi. Je vous donne des noms de famille, des clans, des terres et des lieux de Rêve. Respectez la loi et vous serez toujours forts. Le seul peuple dans le monde entier." Ce mythe fondateur imprègne l'œuvre de Timothy. Les croix qui apparaissent parfois dans ses compositions reflètent sa vie spirituelle, tandis que les motifs circulaires évoquent à la fois les cercles de danse rituels et les cinq étapes de la cérémonie Kulama à travers lesquelles les jeunes hommes sont instruits dans les coutumes, les lois, l'histoire et les rituels religieux Tiwi. Au début de sa carrière, Timothy fait partie d'un groupe d'artistes Tiwi qui visitent le South Australian Museum à Adélaïde pour examiner les peintures sur écorce collectées par l'anthropologue Charles Mountford lors de son expédition National Geographic à l'île de Melville en 1954. Cette rencontre avec les œuvres de la génération de ses parents s'avère déterminante. Les artistes visiteurs reconnaissent dans ces œuvres historiques les produits de la génération de leurs parents, des motifs encore vivants dans leur mémoire collective. Inspirés, ils créent des réponses contemporaines à ces travaux anciens. Timothy devient rapidement l'un des interprètes les plus radicaux et innovants de ces premiers travaux Tiwi, établissant un pont entre le passé et le présent tout en affirmant sa propre vision artistique. L'œuvre de Timothy Cook incarne le savoir visuel des wulimawi, les anciens, tout en s'affirmant résolument comme art contemporain. Ses dessins de Kulama représentent le langage visuel du peuple Tiwi, partie intégrante d'une culture vivante qui n'avait pas de texte écrit avant la colonisation. L'un des grands succès de son travail réside dans sa capacité à faire coexister l'ancien et le nouveau, célébrant des dessins et symboles culturels de longue date comme œuvres d'art contemporaines. Ses peintures font référence non seulement au Kulama, mais aussi au Pukumani, la cérémonie funéraire traditionnelle Tiwi, pierre angulaire de la croyance Tiwi. Les motifs géométriques communs à tout l'art Tiwi dépeignent souvent des sites d'histoires de signification ancestrale impliquant des ancêtres transformés en animaux ou en oiseaux. Chaque artiste Tiwi possède sa propre interprétation individuelle de ces dessins, et Timothy a développé un style immédiatement reconnaissable : des compositions aérées où les lignes horizontales alternées d'ocre rouge, blanc et jaune créent leur propre cadence et rythme. Le parcours de Timothy Cook a connu une ascension remarquable. Depuis ses premières expositions collectives à la fin des années 1990, il a accumulé une impressionnante liste de reconnaissances et de prix. En 2012, après avoir été finaliste à plusieurs reprises (2004, 2005, 2008, 2009, 2010 et 2011), il remporte le prix majeur des prestigieux Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Awards. En 2018, il gagne le prix inaugural King and Wood Mallesons Contemporary ATSI Art Prize. Il reçoit également le Australia Council National Arts & Disability Award pour artiste établi, reconnaissance cruciale de sa contribution aux arts nationaux en tant qu'artiste ayant travaillé pendant de nombreuses années dans le cadre du programme Ngawa Mantawi de Jilamara. Il a été finaliste du Wynne Prize et du Sulman Prize à l'Art Gallery of New South Wales, ainsi que du Hadley Art Award. Ses expositions l'ont mené à travers l'Australie, la Nouvelle-Zélande, l'Amérique du Nord et l'Europe. Il a participé à des événements majeurs comme la 7e Triennale Asie-Pacifique au Queensland, la 12e Biennale d'Adélaïde, et des expositions au Musée du Quai Branly à Paris. En 2021, son travail est célébré dans TIWI, l'exposition la plus complète d'art Tiwi jamais organisée à la National Gallery of Victoria. Il est également le sujet de publications majeures, notamment "Timothy Cook: Dancing with the Moon" de Seva Frangos (2015) et "TIWI: Art, History, Culture" de Jennifer Isaacs (2012). Timothy n'est pas seulement peintre. Il a créé de nombreuses éditions de gravures, des designs textiles, et a collaboré à des projets cinématographiques et photographiques majeurs au centre d'art. Notamment, il a participé à YOYI (danse) en 2019, une œuvre visuelle dirigée par des artistes, dépeignant des artistes exécutant leur totem Tiwi sur leur terre ancestrale. Timothy Cook aime être sur sa terre, et il décrit souvent les conditions de chasse idéales - la meilleure raison de quitter le centre d'art - comme "une marée pumpuni (bonne)". Cette connexion profonde à son pays, aux cycles de la nature, aux marées liées au cycle lunaire, imprègne chacune de ses œuvres. Comme il le dit simplement mais puissamment : "J'aime peindre pour la culture - Kulama - ça veut dire peindre la culture. On enseigne la culture. Kulama, ça veut aussi dire igname - ils mangent ça, ils le sortent de la terre et le mangent. Kulama, c'est la cérémonie où ils yoi [dansent]." collections : National Gallery of Australia, Canberra Art Gallery of New South Wales, Sydney Art Gallery of South Australia, Adelaide Art Gallery of Western Australia, Perth National Gallery of Victoria, Melbourne Queensland Art Gallery, Brisbane Museum of Contemporary Art (MCA), Sydney Musée du Quai Branly, Paris Fondation Opale

Timothy Dempsey Tjungurrayi dit aussi Young Timothy Dempsey Né à Haasts Bluff en 1942, il était le frère aîné de Barney Daniels (demi-frère), avec qui il partageait des droits importants sur des sites situés entre Papunya et Napperby. Il est le fils de Timmy Ukinya Tjapaltjarri (1901/1979) un Ngaliya de la région de Mount Doreen et d’une aborigène du groupe Kukatja, Mimpeta (née vers 1920). Le couple adoptera aussi la fille de Gladys Napanangka (née en 1957) après le décès du premier mari de Gladys. Timothy a aussi de très forts liens familliaux avec Mary Dixon Nungurrayi, une artiste douée qui fait une eblle carrière dans les années 1990. Sa femme, Epingka Nangala a également peint de façàn épisodique. Il a travaillé comme gardien de troupeau puis comme mécanicien. Il s’installe à Papunya au début des années 60. Il démarre sa carrière dans le milieu des années 1980 mais ne sera jamais très productif. Il est considéré comme faisant partie du groupe linguistique luritja. Ses œuvres sont souvent emplies de détails, de points fins et serrés et sont marquées par la symétrie et un certain académisme.

Tina Martin napangardi Tina Napangardi Martin Robertson est née en 1960 à Yuendumu, une communauté aborigène située à 290 km au nord-ouest d'Alice Springs. Ses parents et ses grands-parents sont décédés et elle n'a qu'une soeur qui vit dans la communauté de Laramba, près de la station d’élevage de Napperby. Tina est allée à l'école locale de Yuendumu. Elle y a vécu pendant la plus grande partie de sa vie mais vit maintenant à Nyirripi après avoir épousé son deuxième mari, Douglas Wilson. Ils ont un fils né en 1997. Elle a également cinq enfants adultes de son premier mariage. Tina peint depuis 1996. Lorsque les artistes de Yuendumu ont commencé à explorer la création imprimée en 1997, Tina a commencé à fabriquer des sérigraphies et des batiks. Cependant, ce n'est qu'en 2007 que Tina a trouvé le temps de peindre plus régulièrement. Elle peint les histoires de son père, comme Yurrampi Jukurrpa (Honey Ant Dreaming) ou Janyinki Jukurrpa (Yanyinki Dreaming). Elle peint également Ngalyipi Jukurrpa (Snake Vine Dreaming) et plus récemment Pulundari Jukurrpa (Mushroom Dreaming) et bien entendu le Rêve d’Eau.

Tinpulya Mervyn Tinpulya est née dans le bush, près de Kelvin Well, un point d'eau situé non loin de Kunmapi (Kenmore Park), en Australie-Méridionale, en 1945. Ses parents avaient quitté Watarru pour la mission d'Ernabella où ils travaillaient comme bergers. Enfant, elle se souvient du voyage de retour à Watarru avec ses parents, où ils échangeaient des peaux de dingo contre de la farine, du thé et du sucre. Tinpulya a à cœur de transmettre le droit et la culture traditionnels à ses petits-enfants afin qu'ils grandissent forts et fiers. Elle est une figure respectée de sa communauté et possède des connaissances en Ngankari (guérison sacrée). Le savoir culturel se transmet oralement à travers le récit des Tjukurpa (histoires traditionnelles des voyages des ancêtres), qui soutiennent les Anangu (peuple aborigène) non seulement physiquement, mais aussi socialement et spirituellement. La peinture Tjukurpa représente un fragment d'une histoire plus vaste, une histoire vivante où un ancêtre a participé à la création du territoire. Les individus ont autorité et propriété de cette terre, des sites et des récits qui y sont associés. La préservation de ce territoire est primordiale pour les artistes de Watarru, qui sont fiers de collaborer avec le Département de l'Environnement et Heritage SA continue de prendre soin de la terre et de la gérer avec respect et responsabilité. Les artistes les plus âgés de Watarru ont été acclamés pour leurs magnifiques peintures collaboratives. Tinpulya et sa sœur Wipana sont les figures de proue de ces œuvres. Leurs premières œuvres collaboratives ont été commandées par le Département de l'Environnement et Heritage SA et sont désormais exposées en permanence au Parlement d'Australie-Méridionale. En 2007, elles ont remporté un prix important du concours Drawing Together, parrainé par la Commission de la fonction publique australienne, un prix prestigieux qui a attiré plus de 570 participants de toute l'Australie.

KUNMANARA STANLEY Tjariya Stanley est une femme Pitjantjatjara, née à Wingellina en 1939. Guérisseuse traditionnelle (Ngankari), elle est une gardienne précieuse du savoir ancestral. Impliquée dans le centre d'art depuis des décennies, Tjariya a acquis au fil du temps une maîtrise de plusieurs techniques, dont le batik et la peinture. Ses premiers dessins, collectionnés par Charles Mountford dans les années 1940, font partie de la collection du Musée national d'Australie. À ses débuts, Tjariya travaillait à l'atelier d'artisanat, confectionnant des tapis et tricotant des pulls, les premières activités entreprises sur place. Dans les années 1970, elle a appris le batik auprès de Nyukana (Daisy) Baker, suite au voyage de cette dernière en Indonésie. Tjariya est devenue l'une des artistes batik les plus accomplies d'Ernabella. Elle a également appris seule à tisser avec des herbes indigènes et du raphia (tjanpi) et à crocheter des mukata (bonnets) avec la laine de mouton qu'elle file encore à la main. Depuis quelques années, Tjariya se consacre à la peinture. Elle utilise ce médium pour transmettre le tjukurpa (loi) de son pays et de sa famille. La force de son trait a immédiatement attiré l'attention et ses toiles ont été acquises par ArtBank et d'importants collectionneurs privés. Ses œuvres figurent dans plusieurs collections, dont la Galerie nationale d'Australie et le Musée national d'Écosse. En 2016, Tjariya était finaliste (œuvre collective) du Prix national d'art aborigène et des insulaires du détroit de Torres. Tjariya est un pilier de la communauté et l'âme du centre d'art. Elle préserve la culture avec ferveur et est une conteuse hors pair, prenant plaisir à raconter des anecdotes de son enfance à la mission. Elle a également partagé des récits poignants, relatant son expérience personnelle des essais nucléaires de Maralinga et leurs conséquences sur la communauté d'Ernabella. Ce témoignage a été intégré à la pièce de théâtre Ngapartji Ngapartji, qui a tourné en Australie pendant plus d'un an. L'une des filles de Tjariya, Renita, est également une artiste reconnue d'Ernabella, et son fils Ngunytjima travaille dans l'atelier de céramique. Potier et artiste accompli, il a réalisé en 2013 les pièces en céramique pour la première exposition personnelle de Tjariya à la galerie Alcaston de Melbourne. Tjariya nous a malheureusement quittés en 2020.

TJAWINA PORTER NAMPITJINPA Language: Ngaatjatjarra / Pintupi / Luritja Tjawina Porter Nampitjinpa est née vers 1950 près de Tjukurrla, au Nord de Docker River. On est là dans des zones très reculées, en Australie Occidentale mais non loin des frontières avec le Territoire du Nord et l’Australie Méridionale. Tjawina a passé sa jeunesse dans le bush vivant de façon très traditionnelle, se déplaçant dans le désert, comme il y a des milliers d’années, vivant de la chasse et de la cueillette. Ils vont de point d’eau en point d’eau, vivant au jour le jour. Les gens de cette génération ont une connaissance profonde de leur pays. Après la mort de son jeune frère, vers la fin des années 1970, sa famille décide de s’installer à Papunya. Le mouvement artistique est né là en 1971. Elle rejoindra sa région d’origine une fois devenue veuve. Son histoire artistique est calquée sur celle de sa sœur Esther Giles Nampitjinpa et celle de sa demi sœur Nyurapya Nampitjinpa (plus connue sous le nom de Mrs Bennett). Le style et la palette sobre des sœurs se ressemblent ; encore plus la coopération avec un marchand indépendant situé en ville. Là les trois sœurs vont produire des œuvres majeures dans des conditions de vie décentes. Le studio où elles travaillent est propre, climatisé, avec du personnel pour leur faire à manger, disposent de chambres. Elles peuvent se concentrer sur leur travail et uniquement ça. Et les œuvres qui vont sortir sont parmi ce qui se fait de mieux dans l’art aborigène. Les sœurs sont à l’aise sur les grands formats, qui permettent de condenser toute l’histoire sacré d’une région. Car l’art aborigène est une mixe entre cartographie, géographie et histoire mythologique. Les détails sont là mais les teintes restent restreintes, le beige prenant le dessus. C’est alors seulement le rythme des lignes et des points, petits, serrés, et la façon de déposer les points de façon très dense, de manière à créer un aplat ou au contraire en les espaçant et en libérant de l’espace, comme une respiration. Rarement les diagrammes anciens, traditionnels ont trouvé à s’exprimer sur des supports modernes avec une telle force et une telle beauté. Pas d’esbroufe chez ses femmes, la gamme chromatique réduite à sa plus simple expression contraint à trouver la force dans le motif seul, dans la composition. Et les sœurs excellent en la matière. On est ici au sommet de l’art aborigène, car sont réunis la force des motifs millénaires, des récits des temps immémoriaux, et la puissance du médium moderne et de ses possibilités. Faut-il encore le canal qui fera le lien, le plus qui distingue les grands artistes. On peut s’enthousiasmer devant le résultat mais c’est encore plus intéressant quand on devine la richesse de ces toiles. Au niveau plastique, rien à dire, on sait qu’on est devant des chefs d’œuvres mais l’émotion est encore plus profonde lorsqu’on pense au cheminement de ses femmes, à leur histoire personnelle et aux connaissances qu’il leur fallu acquérir (physiques et spirituelles) pour en arriver là. Elles représentent la quintessence de la culture aborigène où les aînés sont respectés pour leurs savoirs. Elles ne savent pas lire ou écrire mais savent parfaitement les chants, les danses, la moindre ondulation des paysages dont elles ont la responsabilité, où se trouve l’eau et la nourriture dans une zone plutôt hostile. La région de Pangkupirri – où il y a un point d’eau permanent (mais aussi les sites de Yumari, Tjukurla et Tjalilli près de Papunya, et Wapurta où des Ancêtres Dingos attaquèrent et mangèrent un Kangourou), est ainsi décrite à l’aide de symbole que nous ne savons pas lire. Ici apparaissent les Femmes qui cueillent les baies, qui les cuisinent. Elle décrit le paysage, les affleurements rocheux, les dunes de sable, les trous dans la roche. Les motifs ressemblent à ceux utilisés par les femmes de son groupe pour des danses nommées Inma. Les sites sont ceux dont sa famille avait la responsabilité, où ils ont chassé, où ils se sont réfugiés (à Punkilpirri se trouve un gouffre où la fraîcheur apportait du réconfort lors des grosses chaleurs et où l’on savait qu’on trouverait de l’eau en période sèche. Une région perdu dans un océan de spinifex mais où on savait trouver la nourriture, les fruits, les baies, le gibier, les insectes, les petits animaux…). Et Tjawina n’est pas seulement une artiste peintre accomplie, elle sculpte aussi avec talent. Depuis la mort de Mrs Bennett et la retraite d’Esther Giles, Tjawina est la dernière à diffuser ces connaissances.

TJAYANKA WOODS (1935 – 2014) Tjayanka Woods, est née vers 1935, près de Ka?ayapi?i, un trou rocheux dans le Grand Désert de Victoria en Australie Méridionale. Enfant, elle menait un mode de vie semi-nomade dans la brousse avec ses parents, campant fréquemment à Kalaya Pirti où ils chassaient le ngintaka (varan / goanna), le tinka (lézard), le kalaya (émeu) et récoltaient des aliments tels que le kampurarpa (raisin du désert), les figues et le maku (larves).Elle a grandi en vivant un mode de vie traditionnel et nomade dans le bush avec sa famille, avant tout contact avec la société euro-australienne. Elle a appris à sculpter des outils de base et des objets décoratifs, ainsi qu'à graver des motifs traditionnels dans le bois (appelés pu?u). Elle a également appris à filer des fils de cheveux sur un fuseau filé à la main et à tisser des anneaux de tête et des ceintures cérémonielles à partir de cheveux et de plumes. Plus tard, les femmes de cette zone produiront des objets en fibres végétales, parfois simplement des paniers mais aussi de véritables sculptures impressionnantes et originales. Cette apprentissage aura donc son importance. Tjayanka Woods a commencé à peindre en 2000, après son installation à Irrunytju. Les femmes de l'endroit ont ouvert un centre d'art, un projet économique communautaire, alors que le mouvement artistique aborigène a débuté depuis trente ans dans la zone plus au nord, en territoire pintupi. Dès le début de sa carrière, Brown a souvent peint avec son amie Anmanari Brown. À la mort du mari d'Anmanari Brown, son amie, en 2007, les deux femmes ont quitté Irrunytju et se sont installées à Papulankutja, sur les terres Ngaanyatjarra. Elles se mettent à peindre pour le centre d'art de cette communauté. Les peintures de Woods portent principalement sur deux thèmes, le Rêve des Sept Soeurs et le Minyma Kutjara Tjukurpa (Rêve des Deux Sœurs), son Rêve personnel. Elles sont structurées comme des cartes dessinées dans le sable au doigts, retraçant le parcours des deux sœurs sur le pourtour de la toile. Elle utilise des lignes continues et pointillées, formant aussi des cercles concentriques, le tout représentant les voyages et les activités des personnages de l'histoire. Tjayanka montre les trous dans les rochers et les formations rocheuses créées par les Sœurs lors de leur marche commune à travers le pays. Le vol de l'aigle, le Rêve de son grand-père, est incorporé aux peintures et survole le chemin des sœurs. « C'est le pays de mon père, près d'Irrunytju. Les Deux Sœurs Ancestrales voyageaient dans ce pays. Mon grand-père, c'est cet aigle dans mon tableau. Vous pouvez voir où il a volé », vous dira-t-elle. L'histoire des Sept Sœurs est un récit puissant et ancien du Temps du Rêve (ou Temps du Rêve) partagé par de nombreux groupes autochtones d'Australie, tous liés à l'amas d'étoiles des Pléiades. Bien que les versions diffèrent selon les groupes linguistiques et les régions, les éléments fondamentaux de l'histoire sont remarquablement cohérents et profondément ancrés dans la culture, l'astronomie et le territoire. La version pitjantjatjara du Rêve des Sept Sœurs, connue sous le nom de Kungkarangkalpa, est l'un des récits aborigènes du Rêve les plus détaillés et les plus répandus. Elle est riche en symbolisme, en géographie et en signification culturelle. En astronomie occidentale, les Pléiades sont connues sous le nom des Sept Sœurs, un groupe d'étoiles de la constellation du Taureau. Les Aborigènes d'Australie reconnaissent ces étoiles depuis longtemps, les voyant souvent comme un groupe de femmes ou de sœurs voyageant ensemble. L'histoire du Rêve raconte l'histoire d'un groupe de femmes ancestrales, généralement sept, voyageant à travers le pays. Elles sont poursuivies par un homme (qui finira lui aussi par rejoindre le ciel pour former la Constellation d'Orion, appelée Wati Nyiru dans la version Pitjantjatjara). L'histoire suit les Sept Sœurs alors qu'elles fuient Wati Nyiru, qui tente constamment de les tromper ou de les piéger afin de les séduire ou de les capturer. Il utilise la magie, le déguisement (il peut se transformer en arbre, en rocher ou en kangourou) et la ruse, mais les sœurs restent intelligentes, insaisissables. En parcourant le territoire pour lui échapper, les sœurs laissent derrière elles des formations géologiques, des points d'eau et des sites sacrés, créant ainsi une vaste ligne de chants qui s'étend sur des centaines de kilomètres à travers l'Australie Occidentale et Centrale. Cette histoire est encodée dans des chants, des danses, des cérémonies et des œuvres d'art. Elle sert également de carte et de code moral, guidant les comportements et les connaissances sur le pays. La figure de Wati Nyiru, est utilisée comme une leçon sur le désir inapproprié, le manque de respect du consentement et l'abus de pouvoir. L'histoire met en lumière la solidarité, l'intelligence et la force spirituelle des femmes qui lui résistent. Finalement, les sœurs s'échappent dans le ciel, devenant les Pléiades, et l'homme devient une partie d'Orion, les poursuivant éternellement dans le ciel nocturne. Il est intéressant de noter que des récits des Pléiades, les « sept sœurs », apparaissent également dans la mythologie grecque, les traditions amérindiennes, les traditions maories et d'autres, suggérant un lien humain profond, peut-être ancien, avec cet amas d'étoiles. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques dont : Art Gallery of Western Australia, National Gallery of Victoria, National Gallery of Australia Tjayanka Woods était l'une des artistes présentées à la National Gallery of Australia dans le cadre de l'exposition prestigieuse « Songlines : Tracking the Seven Sisters ». Cette exposition itinérante (présentée à Canberra, Plymouth, Paris (Musée du Quai Branly), Berlin et Tampere, en Finlande). n trou roche

TJAYANKA WOODS (1935 – 2014) Tjayanka Woods, est née vers 1935, près de Ka?ayapi?i, un trou rocheux dans le Grand Désert de Victoria en Australie Méridionale. Enfant, elle menait un mode de vie semi-nomade dans la brousse avec ses parents, campant fréquemment à Kalaya Pirti où ils chassaient le ngintaka (varan / goanna), le tinka (lézard), le kalaya (émeu) et récoltaient des aliments tels que le kampurarpa (raisin du désert), les figues et le maku (larves).Elle a grandi en vivant un mode de vie traditionnel et nomade dans le bush avec sa famille, avant tout contact avec la société euro-australienne. Elle a appris à sculpter des outils de base et des objets décoratifs, ainsi qu'à graver des motifs traditionnels dans le bois (appelés pu?u). Elle a également appris à filer des fils de cheveux sur un fuseau filé à la main et à tisser des anneaux de tête et des ceintures cérémonielles à partir de cheveux et de plumes. Plus tard, les femmes de cette zone produiront des objets en fibres végétales, parfois simplement des paniers mais aussi de véritables sculptures impressionnantes et originales. Cette apprentissage aura donc son importance. Tjayanka Woods a commencé à peindre en 2000, après son installation à Irrunytju. Les femmes de l'endroit ont ouvert un centre d'art, un projet économique communautaire, alors que le mouvement artistique aborigène a débuté depuis trente ans dans la zone plus au nord, en territoire pintupi. Dès le début de sa carrière, Brown a souvent peint avec son amie Anmanari Brown. À la mort du mari d'Anmanari Brown, son amie, en 2007, les deux femmes ont quitté Irrunytju et se sont installées à Papulankutja, sur les terres Ngaanyatjarra. Elles se mettent à peindre pour le centre d'art de cette communauté. Les peintures de Woods portent principalement sur deux thèmes, le Rêve des Sept Soeurs et le Minyma Kutjara Tjukurpa (Rêve des Deux Sœurs), son Rêve personnel. Elles sont structurées comme des cartes dessinées dans le sable au doigts, retraçant le parcours des deux sœurs sur le pourtour de la toile. Elle utilise des lignes continues et pointillées, formant aussi des cercles concentriques, le tout représentant les voyages et les activités des personnages de l'histoire. Tjayanka montre les trous dans les rochers et les formations rocheuses créées par les Sœurs lors de leur marche commune à travers le pays. Le vol de l'aigle, le Rêve de son grand-père, est incorporé aux peintures et survole le chemin des sœurs. « C'est le pays de mon père, près d'Irrunytju. Les Deux Sœurs Ancestrales voyageaient dans ce pays. Mon grand-père, c'est cet aigle dans mon tableau. Vous pouvez voir où il a volé », vous dira-t-elle. L'histoire des Sept Sœurs est un récit puissant et ancien du Temps du Rêve (ou Temps du Rêve) partagé par de nombreux groupes autochtones d'Australie, tous liés à l'amas d'étoiles des Pléiades. Bien que les versions diffèrent selon les groupes linguistiques et les régions, les éléments fondamentaux de l'histoire sont remarquablement cohérents et profondément ancrés dans la culture, l'astronomie et le territoire. La version pitjantjatjara du Rêve des Sept Sœurs, connue sous le nom de Kungkarangkalpa, est l'un des récits aborigènes du Rêve les plus détaillés et les plus répandus. Elle est riche en symbolisme, en géographie et en signification culturelle. En astronomie occidentale, les Pléiades sont connues sous le nom des Sept Sœurs, un groupe d'étoiles de la constellation du Taureau. Les Aborigènes d'Australie reconnaissent ces étoiles depuis longtemps, les voyant souvent comme un groupe de femmes ou de sœurs voyageant ensemble. L'histoire du Rêve raconte l'histoire d'un groupe de femmes ancestrales, généralement sept, voyageant à travers le pays. Elles sont poursuivies par un homme (qui finira lui aussi par rejoindre le ciel pour former la Constellation d'Orion, appelée Wati Nyiru dans la version Pitjantjatjara). L'histoire suit les Sept Sœurs alors qu'elles fuient Wati Nyiru, qui tente constamment de les tromper ou de les piéger afin de les séduire ou de les capturer. Il utilise la magie, le déguisement (il peut se transformer en arbre, en rocher ou en kangourou) et la ruse, mais les sœurs restent intelligentes, insaisissables. En parcourant le territoire pour lui échapper, les sœurs laissent derrière elles des formations géologiques, des points d'eau et des sites sacrés, créant ainsi une vaste ligne de chants qui s'étend sur des centaines de kilomètres à travers l'Australie Occidentale et Centrale. Cette histoire est encodée dans des chants, des danses, des cérémonies et des œuvres d'art. Elle sert également de carte et de code moral, guidant les comportements et les connaissances sur le pays. La figure de Wati Nyiru, est utilisée comme une leçon sur le désir inapproprié, le manque de respect du consentement et l'abus de pouvoir. L'histoire met en lumière la solidarité, l'intelligence et la force spirituelle des femmes qui lui résistent. Finalement, les sœurs s'échappent dans le ciel, devenant les Pléiades, et l'homme devient une partie d'Orion, les poursuivant éternellement dans le ciel nocturne. Il est intéressant de noter que des récits des Pléiades, les « sept sœurs », apparaissent également dans la mythologie grecque, les traditions amérindiennes, les traditions maories et d'autres, suggérant un lien humain profond, peut-être ancien, avec cet amas d'étoiles. Ses œuvres figurent dans de nombreuses collections privées et publiques dont : Art Gallery of Western Australia, National Gallery of Victoria, National Gallery of Australia Tjayanka Woods était l'une des artistes présentées à la National Gallery of Australia dans le cadre de l'exposition prestigieuse « Songlines : Tracking the Seven Sisters ». Cette exposition itinérante (présentée à Canberra, Plymouth, Paris (Musée du Quai Branly), Berlin et Tampere, en Finlande).

Tjimpayi Presley Tjimpayi est née en 1967. Elle est la fille de Tjampawa Katie Kawiny qui est également peintre. Tjimpayi est bien connue pour ses sculptures pyrogravées «punu». Cependant depuis un moment, elle se concentre surtout sur les peintures. Elle a mis au point un style particulier avec ses petits cercles qui décrivent son pays.

TJIMPUNA WILLIAMS Tjimpuna est une artiste reconnue d'Ernabella qui a exploré divers médiums, dont la peinture, la linogravure et le batik, mais son domaine de prédilection est la céramique. Tjimpuna utilise des motifs traditionnels inspirés des fleurs sauvages ou du désert (tjulpun-tjulpunpa), des trous d'eau (tjukula) et des dunes de sable (tali). Elle peint également les Tjukurpa, le paysage du pays de sa mère, Piltati, près de Kanpi, dans les terres APY. D'autres pièces sont des créations personnelles (walka), inspirées des motifs batik et de son interprétation personnelle d'images liées au territoire et aux cérémonies. Tjimpuna et Derek Thompson ont reçu une bourse du Conseil des arts d'Australie et ont participé en 2013 à un atelier de poterie à Jingdezhen, en Chine. Cet ensemble d'œuvres a été exposé à la prestigieuse galerie Sabbia de Sydney. Tjimpuna a également voyagé en Corée et à Singapour pour sa pratique artistique. En 2015, Tjimpuna et Derek sont retournés à Jingdezhen et leurs œuvres, réalisées lors de cette expérience, ont été exposées à la galerie Sabbia et à la Triennale australienne de la céramique à Canberra. Les œuvres de Tjimpuna font partie des collections du Musée national d'Australie, de la Galerie nationale d'Australie, de la Galerie d'art du Queensland et du Musée d'ethnologie d'Osaka, au Japon.

Tjukupati James (1936-2022) était une femme Pitjantjatjara née à Alpi, une communauté aborigène isolée au sud de la rivière Docker, dans le Territoire du Nord australien. Son enfance, traditionnelle et nomade, fut baignée dans le territoire qui allait devenir la source d'inspiration de ses compositions picturales sinueuses.

TJULYATA KULYURU Tjulyata est une artiste en début de carrière, issue d'une famille talentueuse et respectée. Son père est le pasteur d'Ernabella et sa mère était une artiste confirmée de l'époque de la mission, experte en filage de laine naturelle et en tricot. Petite fille, Tjulyata venait au centre d'art pour observer sa mère travailler le batik. Sa tante et ses deux sœurs peignaient également à Ernabella Arts. Tjulyata vit à Ernabella avec ses cinq jeunes enfants. Depuis ses débuts artistiques, elle a développé une interprétation unique des tjukula (points d'eau) qu'elle représente sur toile et en céramique.

Tjumpo Tjapanangka communauté de Balgo – Kimberley Tjumpo (vers 1930 / 2007) est l’un des grands peintres de Balgo. Avant tout il est un initié incontournable et un guérisseur traditionnel. Il se met à peindre en 1986, comme la plupart des artistes de Balgo. Ses toiles aux motifs minimalistes et aux teintes chaudes ont contribué au succès des artistes de Balgo. Les Aborigènes vivant à Balgo ont souvent des connections avec ceux de Kintore et Kiwirrkurra dans le Désert Occidental. Collections : Ken Thompson et Pierre Marecaux Coll Art Gallery of Western Australia Holmes a Court Coll Laverty Coll, Kluge Ruhe Collection, USA, Museum of the University of Virginia National Gallery of Victoria Gantner Myer Coll, Morven Estate

TJUNKAYA TAPAYA Tjunkaya a grandi à la mission d'Ernabella. À l'époque de la mission, le bâtiment qui abrite aujourd'hui le centre d'art servait de cantine aux missionnaires. En 1948, il devint l'atelier d'artisanat, où les femmes commencèrent à produire des pièces de laine et à tisser des tapis. La plupart des artistes reconnus qui peignent aujourd'hui sur les terres APY ont fréquenté ce bâtiment, au fil de ses différentes incarnations. Tjunkaya débuta à l'atelier d'artisanat en réalisant des tissages, puis se spécialisa dans le batik, et devint une artiste de renom, ses œuvres figurant dans plusieurs collections publiques. Son œuvre a fait la couverture de l'ouvrage de Judith Ryan, « À travers le désert : le batik aborigène d'Australie centrale ». Tjunkaya travaille également la céramique, le tjanpi, le punu (travail du bois), la gravure, le filage et la confection de mukata (bonnets). Ses créations, réalisées dans ces différents médiums, ont été présentées dans de nombreuses expositions en Australie et à l'étranger, ainsi que dans des galeries publiques et privées depuis 1971. Elles figurent dans de nombreuses collections nationales et internationales, notamment au Musée national d'Écosse, au Musée national d'Australie, à la Galerie nationale d'Australie et au Musée d'ethnologie d'Osaka. Depuis 2015, Tjunkaya se consacre à la peinture, à la céramique et à la sculpture en tjanpi. Ce choix lui a permis de devenir l'une des artistes féminines les plus recherchées des terres APY et d'acquérir une reconnaissance croissante dans ces domaines. En 2010 et 2011, ses œuvres ont été acquises par Artbank, et en 2011 et 2012, elle a été finaliste du prix Togart d'art contemporain. En 2012, ses sculptures tjulpu (oiseaux) tjanpi ont été sélectionnées pour une exposition aux National Aboriginal and Torres Strait Islander Art Awards (NATSIA, les Telstras). L'année 2011 a marqué le début de la cinquième décennie de collaboration de Tjunkaya avec Ernabella Arts. Sa première exposition solo a eu lieu en 2012 à la galerie Alcaston de Melbourne, où elle a présenté un mélange de peintures et de sculptures tjanpi. En 2021, ses céramiques ont été finalistes aux NATSIA Awards. Tjunkaya a été membre du conseil d'administration et vice-présidente d'Ernabella Arts, et responsable du projet Nintintjaku, un projet pédagogique intergénérationnel mené en partenariat avec l'école Ernabella Anangu et l'équipe de jeunes Ernabella NPY. Tjunkaya est également une auteure prolifique en pitjantjatjara. Elle travaille actuellement à un livre bilingue pour enfants. Elle a publié des essais dans plusieurs catalogues d'exposition, notamment Desert Mob 2017 et Tarnanthi 2017 : Festival d'art contemporain aborigène et insulaire du détroit de Torres. En 2016, Tjunkaya a participé à un projet collaboratif : une sculpture en tjanpi (tissé) intitulée Minyma Tjirilyanya Ngaltujara Pikatjara (Femme Échidné blessée et malade). Cette œuvre relate une légende ancestrale de la Femme Échidné et a été finaliste du Prix national des artistes aborigènes et insulaires du détroit de Torres. En 2018, son œuvre, en tant que représentante de son peuple, artiste et écrivaine, a été saluée par le prix Gladys Elphick pour l'ensemble de son travail. En 2020, Tjunkaya a été décorée de l'Ordre d'Australie (division générale) à l'occasion des distinctions honorifiques remises pour l'anniversaire de la Reine.