Juliette Nampijinpa Brown est née en 1971 à l'hôpital d'Alice Springs, l'établissement le plus proche de Yuendumu, une communauté aborigène isolée située à 290 km d'Alice Springs, dans le Territoire du Nord australien. Issue d'une longue lignée d'artistes, sa mère, Wendy Nungarrayi Brown, et ses grands-parents, Bessie Nakamarra Sims (1932-2012) et Paddy Japaljarri Sims (1916-2010), étaient tous des artistes de renom, tant au niveau national qu'international, qui ont peint ou ont peint avec Walukurlangu Artists. Juliette a fréquenté l'école de Yuendumu, qu'elle a beaucoup appréciée. Après ses études, elle est devenue bénévole auprès du Programme pour les personnes âgées, un organisme qui vient en aide aux aînés. Elle a trois enfants, tous adultes, et cinq petits-enfants. Depuis 2008, Juliette peint pour le centre d'art aborigène situé à Yuendumu et géré par des Aborigènes. Elle y peint les histoires Jukurrpa de son grand-père. Ngapa Jukurrpa (Rêve de l'eau) et Pamapardu Jukurrpa (Rêve des fourmis volantes) sont des récits intimement liés à sa terre, à ses caractéristiques et à la faune et la flore qui la peuplent. Juliette utilise une palette libre, ornée de motifs et de dessins traditionnels remontant à au moins cinquante mille ans, pour représenter ses Jukurrpa/ Rêves ancestraux. Passionnée de peinture, elle aime particulièrement peindre avec ses petits-enfants. Sous leur regard attentif, elle leur transmet les histoires de son grand-père. Lorsqu'elle ne peint pas, Juliette adore partir à la recherche de fourmis à miel.

Juliette Nakamarra Morris est née en 1981 à l'hôpital d'Alice Springs, l'établissement le plus proche de Yuendumu, une communauté aborigène isolée située à 290 km au nord-ouest d'Alice Springs, dans le Territoire du Nord australien. Elle est la fille de Netta Williams et de Wally Morris, tous deux décédés. Elle a grandi à Yuendumu, fréquentant l'école locale avant d'intégrer le collège catholique Notre-Dame du Sacré-Cœur à Traeger Park, Alice Springs. Après ses études, elle est retournée à Yuendumu avant de partir pour Willowra afin de s'occuper de sa grand-mère. C'est à Willowra qu'elle a rencontré son mari, avec qui elle a aujourd'hui quatre enfants. Juliette a commencé à peindre en 2006 avec le centre d'art aborigène situé à Yuendumu et géré par des Aborigènes. Elle peint le Wanakiji Jukurrpa (Rêve de la Tomate du Bush) de sa mère, des « Rêves » directement liés à sa terre, à ses caractéristiques et à la faune et la flore qui la peuplent. Ces histoires lui ont été transmises par sa mère, son grand-père maternel et son grand-père paternel depuis des millénaires. « Tout est lié au pays de ma mère et de mon grand-père. » Elle peut également peindre le Ngarlkirdi Jukurrpa (Rêve de la Larve de Witchetty) de son père.

June Bird Ngale (c. 1954 - ) Groupe Anmatyerre - Utopia June Bird est née à Waite River, dans le Territoire du Nord. Elle a ensuite déménagé avec sa famille à Akaye (Mulga Bore), une zone isolée sur les terres d'Utopia. Son père, Tommy Bird Mpetyane, est décédé jeune, et elle a pris l'habitude d'appeler Lindsay Bird Mpetyane son père. Lindsay était un initié très important mais également un peintre reconnu. Sa mère, la célèbre artiste Ada Bird Petyarre, est décédée en 2010. June est une artiste qui peint dans des styles variés, capturant l'essence de son pays et de sa culture. Elle maîtrise parfaitement l'expression de sa culture et aime la transmettre à travers ses peintures. Collections : National Gallery of Australia

Karen Wita groupe Warruwi – Ile de Goulburn – Territoire du Nord Les îles Goulburn sont un groupe de petites îles et d'îlots dans la mer d'Arafura, au large de la terre d'Arnhem, dans le territoire du Nord.

Katarra Butler Napaltjarri Katarra Butler Napaltjarri naît près de Tjukurla, en Australie-Occidentale, dans une région située à proximité des lieux-dits de Kulkurta et Puurrungu, plus précisément à Kuun, un point d'eau dont le nom désigne également l'ocre jaune dans la langue pintupi. Son enfance et son adolescence se déroulèrent selon le mode de vie nomade traditionnel, au sein de sa famille élargie, dans les vastes étendues du désert de l'Ouest australien. Son père, Lilyiwara Tjungurrayi, et sa mère, Mangkatji Nangala, perpétuaient les traditions ancestrales, se déplaçant à pied dans leur territoire, vivant de la chasse et de la cueillette, s'approvisionnant en eau aux points d'eau naturels (trous d'eau, sources, bassins d'argile). L'année 1966 marqua une rupture majeure dans l'existence de l'artiste. Elle fut transportée en camion, avec sa famille, vers la communauté de Papunya, dans le cadre des patrouilles de l'administration du bien-être social dirigées par Jeremy Long. Cette relocalisation forcée s'inscrivait dans la politique d'assimilation menée par le gouvernement australien à l'égard des populations aborigènes. À cette époque, Katarra était déjà la seconde épouse d'Anatjari Tjakamarra, figure fondatrice du mouvement artistique de Papunya qui émergea en 1971. Durant les décennies suivantes, l'artiste vécut les bouleversements liés au mouvement des "outstations" des années 1980, qui permit aux communautés aborigènes de retourner sur leurs terres traditionnelles. Elle circula ainsi entre Papunya, Tjukurla, Kintore et Kiwirrkura, maintenant un lien constant avec son pays ancestral tout en participant aux mutations du monde de l'art aborigène. Le parcours artistique de Katarra Butler Napaltjarri débuta tardivement, après le décès de son époux Anatjari Tjakamarra, pionnier du mouvement artistique en Australie Centrale, à Papunya. Selon les sources, elle commença à peindre soit dans les années 1990, soit plus précisément en 2001 pour le centre d'art de la Papunya Tula Artists. Cette entrée tardive dans la pratique picturale professionnelle, courante parmi les femmes artistes aborigènes, ne l'empêcha pas de développer rapidement un langage visuel distinctif. Dans ses premières œuvres, l'influence de l'artiste Ningura Napurrula se manifeste à travers un travail monochrome caractérisé par une linéarité affirmée. Toutefois, au fil du temps et face à une détérioration de sa vue, l'artiste développa le style qui allait la distinguer : l'emploi de couleurs vives et contrastées, appliquées en larges coups de pinceau vigoureux et gestuels. L'originalité stylistique de Katarra Butler Napaltjarri réside dans sa technique d'application de la peinture. Elle utilisait de grands pinceaux ronds, appliquant la peinture acrylique sur toile en larges traits rythmiques, mobilisant l'ensemble de son corps pour propulser le pinceau sur la surface. Cette gestualité, qui rappelle certaines démarches de l'expressionnisme abstrait occidental, produit des compositions où la couleur s'impose avec une intensité particulière. L'artiste superposait de nombreuses couches de peinture, créant ainsi une profondeur et une densité matérielle caractéristiques. Les palettes chromatiques employées par l'artiste se distinguent par leur éclat : couleurs vives, tons flamboyants et pastels acidulés coexistent, parfois tempérés par un travail de sous-couche noire qui structure la composition. Cette vibration colorée, associée à la qualité gestuelle du trait, confère aux œuvres une dimension dynamique, évoquant selon certains critiques l'aspect d'une mosaïque de sable désertique ou la sensation tactile de la terre rouge du centre australien. Néanmoins, cette modernité formelle n'implique aucune rupture avec la fonction traditionnelle de l'art aborigène. Les peintures de Katarra Butler Napaltjarri demeurent des cartes topographiques et spirituelles, des récits ancestraux encodés dans le langage visuel du tjukurrpa (le Temps du Rêve / Rêves). Le répertoire iconographique de l'artiste s'articule autour de plusieurs sites sacrés et récits ancestraux liés à son pays natal. Les lieux de Kuurmankutja et Marrapirnti constituent les sujets principaux de ses compositions. Kuurmankutja, situé près de Kuun, est associé au tjukurrpa des deux Kuniya (pythons), tandis que d'autres peintures évoquent des cérémonies féminines ancestrales. Ses œuvres représentent les éléments topographiques du désert : les "puli" (rochers), les "tali" (dunes de sable), les vastes étendues herbeuses, et surtout les points d'eau, marqués par des formes circulaires récurrentes. Les peintures intègrent également les "kampurarrpa" (raisins de brousse) et autres aliments traditionnels collectés par les femmes lors de leurs déplacements cérémoniels. Un exemple significatif de son travail iconographique concerne les représentations du site de Tjukurla. Selon les récits traditionnels, un groupe de femmes ancestrales se rassembla en ce lieu pour accomplir les chants et danses cérémoniels associés à la région. Elles y confectionnèrent des "nyimparra" (jupes en fibre de cheveux), puis voyagèrent vers Kintore, cueillant en chemin de grandes quantités de "pura" ou "pintalypa" (tomates de brousse), de "mangata" (quandong), et de "kampurarrpa". Les multiples cercles présents dans ces compositions symbolisent cette abondance alimentaire collectée par les ancêtres féminines. L'artiste décrivait elle-même son travail comme représentant des "histoires d'autrefois, marchant dans la brousse", soulignant ainsi la dimension mémorielle et territoriale de sa pratique. Katarra obtint une reconnaissance significative sur la scène artistique australienne et internationale. En 2016, elle remporta le prix principal du Wyndham Art Prize, distinction majeure dans le domaine de l'art aborigène contemporain. Elle reçut par ailleurs de nombreuses nominations pour d'autres prix artistiques. Sa participation au 28e Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award à Darwin témoigne de sa reconnaissance par les institutions muséales australiennes. Ses œuvres furent exposées dans de multiples contextes : expositions individuelles et collectives en Australie (Sydney, Darwin, Melbourne), aux États-Unis, et en Europe (notamment à Monaco lors de l'événement Taba Naba en 2016). Sur le plan patrimonial, les œuvres de l'artiste intégrèrent plusieurs collections publiques majeures, notamment la collection du Parlement australien à Canberra et la collection de l'Art Gallery of New South Wales, témoignant de leur valeur artistique et historique reconnue par les institutions nationales. Appartenant à la génération qui suivit les pionniers de Papunya (dont son époux Anatjari Tjakamarra), elle participa à l'affirmation du rôle des femmes artistes dans un mouvement initialement dominé par les figures masculines. Sa pratique artistique témoigne d'une double fidélité : aux structures narratives et symboliques du tjukurrpa d'une part, et à une recherche d'expressivité formelle contemporaine d'autre part. Cette tension créatrice entre tradition et innovation caractérise d'ailleurs l'ensemble du mouvement artistique du désert australien depuis ses origines. La qualité gestuelle de son travail, l'intensité chromatique de ses compositions et la matérialité affirmée de sa peinture permettent de rapprocher son œuvre de certaines tendances de l'abstraction lyrique occidentale, tout en maintenant fermement son ancrage dans la cosmologie et la géographie sacrée pintupi. Cette capacité à dialoguer avec différents registres esthétiques sans renoncer à la spécificité culturelle constitue l'un des apports majeurs de son travail.

Kate Miwulku (1939-2011) groupe ndjébbana - Maningrida – Terre d'Arnhem centrale Kate est la, propriétaire traditionnelle des terres sur lesquelles est bâtie la ville de Maningrida, dans le Territoire du Nord, était réputée pour sa connaissance encyclopédique de son pays. Elle collaborait avec des linguistes spécialisés dans ce domaine. Elle enseignait également la langue et la culture à l'école de Maningrida. La pratique artistique de Kate Miwulku comprend la linogravure, l'eau-forte, la peinture sur écorce et la sculpture, explorant thématiquement les pratiques et traditions culturelles, principalement liées à l'alimentation. Les sacs en fibres et les nasses, en particulier, sont des motifs récurrents dans son œuvre. Miwulku a participé à plusieurs expositions collectives, notamment : Maningrida Print Show, Maningrida Arts & Culture, Darwin (2004) ; Threads of Time, Burrinja Gallery, Upwey, Victoria (2003) ; SistaActs, Maroondah Art Gallery, Ringwood, Victoria (2003). Maningrida Threads : Art aborigène de la collection du MCA, Musée d’art contemporain d’Australie, Sydney (2003) ; Weave, Federation Centre for the Arts, Bundoora Homestead, Victoria (2002) ; Good Colour : Estampes du Maningrida Women’s Centre, Raft Artspace, Darwin (2001) ; Bush Colour : Œuvres sur papier d’artistes féminines de la région de Maningrida, Hazelhurst Regional Gallery & Arts Centre, Gymea, exposition itinérante en Australie et aux États-Unis (2000) ; Bush Colour : Œuvres sur papier d’artistes féminines de la région de Maningrida, Northern Territory University Gallery, Darwin (1999) ; et Maningrida : Le langage du tissage, Australian Exhibition Touring Agency (1995), exposition itinérante en Australie et en Nouvelle-Zélande. Coll : AGNSW, NMM, MAGNT, NGA, NGV, QAG,

Kate Petyarre (Pitjara) Groupe Anmatyerre.- Utopia Née vers 1980, Kate Petyarre (Pitjara) est une artiste émergente originaire de la communauté d'Utopia. Suivant les traces de sa mère Polly Ngale, Kate illustre les récits du Temps du Rêve liés à l'igname sauvage ainsi la prune sauvage, autant de savoirs et d'histoires traditionnels qui lui ont été transmis. « Anwekety » est le terme anmatyerre désignant la prune sauvage (conkleberry), une baie noire sucrée très appréciée des Aborigènes du désert. Ces fruits ne poussent sur la plante que quelques semaines par an ; toutefois, les femmes en récoltent de grandes quantités et les conservent séchés, les réhydratant dans l'eau avant de les consommer. Ce fruit ressemble beaucoup à une prune, raison pour laquelle les Anmatyerre le désignent souvent en anglais sous le nom de « bush plum » (prune sauvage). Il existe un récit du Temps du Rêve associé à l'Anwekety qui appartient au peuple du territoire d'Ahalpere, dans la région d'Utopia. Au Temps du Rêve, des vents soufflant de toutes directions ont transporté les graines d'Anwekety au-dessus des terres ancestrales, sur le territoire d'Ahalpere. Les premiers plants d'Anwekety du Rêve ont alors poussé, donné des fruits et libéré d'autres graines. De nombreux vents ont ensuite dispersé ces graines à travers les terres. Travaillant de manière similaire à sa mère et à sa tante très estimée, Kathleen Ngale, Kate réalise ses peintures sur le thème de l'Anwekety en superposant des couches de couleur successives.

Kathleen Buzzacott est née en 1970 à Alice Springs, au cœur de l’Australie. Elle est métis, d'origine aborigène (groupe pitjantjatjara), écossaise et anglaise. Elle a déménagé quelque temps dans le Queensland avec son frère et sa sœur pour vivre avec son père. Cependant, à l'âge de 10 ans, elle est retournée vivre avec sa mère à Hermannsburg, en Australie Centrale. Ce sont des années de formation, passées à chasser et à chercher toutes sortes de nourriture traditionnelle, à observer le bush. Ce sont ces éléments, ainsi que les histoires traditionnelles, qui vont par la suite inspirer Kathleen. Son mari, Keith, et leurs deux fils chassent toujours l'émeu et le kangourou, et ils campent souvent autour du territoire traditionnel de son mari, le peuple Arrernte (Aranda), à l'ouest d'Alice Springs. Kathleen est également de plus en plus reconnue pour ses créations de bijoux. Elle a commencé à utiliser des graines naturelles et des formes plus traditionnelles, et a déjà exposé ses œuvres à Sydney en 2014. Awards and Recognition 2024 National Contemporary Art Prize, Canberra - Finalist 2022 Book cover for the Western Arrarnta Dictionary 2021 Better World Art: Design for aprons, tea towels, bags 2021 Buluru: Design for their range of homewares and clothing 2017 Kathleen Buzzacott Art Studio Best Design Tourism Award 2017 Australian Company Koh Living release coffee cups, canisters, and candles with Kathleen's designs 2016 Australian Company Koh Living: Kathleen's designs are featured on tea lights, Dreamtime Collection 2014 ATT King Tour company chooses Kathleen's design for ATT King coach doors 2000 Lasseter's Crown Plaza Hotel and Casino: selected balcony partitions and the pool area feature Kathleen's designs

Kathleen Dixon Kathleen Dixon est la fille de la célèbre artiste Alice Nampitjinpa Dixon et la petite-fille d'Uta Uta Tjangala. Son père, Lindsay Dixon, vivait sur les terres d'Ipa (le Rêve du Serpent), à l'ouest de Nyrripi. Sa mère, Tatuli Nangala, était la grand-mère de Kathleen ; elle a hérité du Tjukurrpa de cette dernière. Le tjukurrpa (Rêve) évoque des femmes assises près de Kintore, chassant dans les environs. Kathleen peint parfois aussi le pays de sa mère, Talaalpi.

Kathleen Ngale groupe Anmatyerre - Utopia Comme la plupart des Aborigènes qui ont vécu une partie de leur vie sans contact avec l’homme blanc, on ignore la date de naissance de Kathleen mais on suppose qu’elle est née entre 1920 et 1930. Elle fait partie du groupe linguistique des Alyawarre de la communauté d’Utopia. Les œuvres de Kathleen et de sa sœur Polly sont très recherchés et malheureusement rares sur le marché. Ses toiles sont un mixe entre les connaissances traditionnelles de « son Pays », c’est-à-dire la terre dont elle est la gardienne spirituelle, en l’occurrence Arlparra, et une expression plus personnelle. Des milliers de points sont déposés sur la toile, très souvent des points colorés que Kathleen recouvrent ensuite de points blancs qui laissent apparaître le fond coloré uniquement par intermittence et comme par transparence. Ces points décrivent la flore, la géographie du désert dans la région de Arlparra et les sites sacrés associé au Rêve de Prune Sauvage. Selected Collections National Gallery of Australia National Gallery of Victoria, Melbourne Thomas Vroom Collection, Utrecht, The Netherlands Holmas a Court Collection, Perth

Kathleen Whiskey Née le 14 janvier 1959, Kathleen était la fille de feu Bill Whiskey, originaire du Mont Liebig. Elle était également la mère de Desmond Impu Tjapaltjarri, jeune artiste prometteur d'Ikuntji. Après une interruption de cinq ans, Kathleen reprit la peinture à Ikuntji début 2009, suite au décès de son père, Bill Whiskey (lauréat du prix NATSIAA). Elle était alors une artiste prolifique. Ses œuvres illustrent l'histoire du Cacatoès de Mitchell (ou Cacatoès blanc) entre Uluru et Kata Tjuta. Elle a appris cette histoire et sa représentation de son père, et elle a transmis ce savoir à son fils et à sa nièce, Rostaria Whiskey. Kathleen est décédée en 2015.

Kathy Pengart Bagot Lilly est née à Coniston vers 1950. Sa mère, Topsy Nampijinpa Stockman, est née à Ngalikirlangu, sur les terres des Anmatyerr et des Warlpiri. Le Rêve de la mère de Lilly est Katyerr (raisin sauvage). Lilly a trois frères et cinq sœurs. Le Rêve principal de Lilly est Inkwareny Anengkerr, le Rêve de la Fourmi à Miel. Les lieux Anengkerr de ce Rêve se situent à Inkwareny et Yuelamu. Seules les femmes ont accès aux sites cérémoniels. Lilly et Daisy Penengk sont les gardiennes d'Inkwareny Anengkerr. L'artiste Alison Ngal Daniels est l'une des gardiennes de ce Rêve, tout comme Elsie Mpetyan d'Arangki (Ten Mile).

Kathy Quinn Larry Kathy Quinn est l'une des plus jeunes artistes d'Ikuntji Artists et peint depuis l'âge de dix-huit ans. Elle est la fille de Roseranna Larry, présidente d'Ikuntji Artists, et la petite-fille de Susie Lane, toutes deux artistes. Kathy a trois enfants et passe la plupart de ses journées au centre d'art pendant que ses enfants sont à l'école. À l'instar de sa grand-mère, Kathy peint principalement des fleurs sauvages et des graines, tout en y apportant sa propre touche. Elle réalise également des scènes de chasse.

Katie Kemarre Née en 1943 Groupe linguistique : Alyawarre Pays : Antarrengeny, région d'Utopia, au nord-est d'Alice Springs, Territoire du Nord Sujets : Rêve d'Apeng (fleur de Kurrajong), Ngkweyang (graine de Kurrajong), Awelye (cérémonie des femmes), Pwenty (cérémonie des hommes), pays d'Antarrengeny, scène de camp, Awelye (cérémonie des femmes) et Pwenty (cérémonie des hommes), homme de cérémonie, lac d'Antarrengeny, Merne Ngkweyang (graine de Kurrajong Avant de peindre, Katie a participé à l'exposition « Utopia - A Picture Story » présentant des œuvres en batik de soie de 88 artistes d’Utopia, qui a fait une tournée internationale. C’est une première phase d’expérimentation pour les artistes d’Utopia. En 1988 et 1989, Katie a participé au Summer Project, qui a initié de nombreuxses initiées à l'art de la peinture sur toile. Il n'a pas fallu longtemps avant que la peinture ne devienne un énorme succès et que les artistes cessent de produire des batiks. Le mari de Katie, Greenie Purvis Petyarre, était un initié hautement respecté et un artiste célèbre. Subjects: Apeng (Kurrajong Flower) Dreaming, Ngkweyang (Kurrajong Seed), Awelye (Women's Ceremony), Pwenty (Men's Ceremony), Antarrengeny Country, Camp Scene, Awelye (Women's Ceremony) and Pwenty (Men's Ceremony), Ceremonial Man, Lake in Antarrengeny, Merne Ngkweyang (Kurrajong Seed) Collections Mbantua Gallery Collection, Alice Springs, NT Flinders University Art Museum, Adelaide, SA National Gallery of Australia, Canberra, ACT National Gallery of Victoria, Melbourne, VIC The Holmes à Court Collection, Perth, WA The Kelton Foundation, Santa Monica, USA

Katie Morgan Petyarre (1959 – 2019) a grandi sur ses terres natales de Kurrajong Bore, dans la région d'Utopia, et a mené une carrière de peintre pendant plus de dix ans. Elle utilisait la technique complexe du pointillisme pour représenter les fleurs et les graines de son Rêve, Atwakeye (Oranger du bush), une histoire qu'elle partage avec ses jeunes sœurs, elles aussi artistes. En 2012, Katie a reçu le prestigieux Prix artistique de la ville de Hobart, devenant ainsi la première artiste aborigène à recevoir cette distinction.

Katie Morgan Katie Morgan Petyarre (1959 – 2019) a grandi sur ses terres natales de Kurrajong Bore, dans la région d'Utopia, et a mené une carrière de peintre pendant plus de dix ans. Elle utilisait la technique complexe du pointillisme pour représenter les fleurs et les graines de son Rêve, Atwakeye (Oranger du bush), une histoire qu'elle partage avec ses jeunes sœurs, elles aussi artistes. En 2012, Katie a reçu le prestigieux Prix artistique de la ville de Hobart, devenant ainsi la première artiste aborigène à recevoir cette distinction.

Katie Ramble Katie est née vers 1960. Sa famille comprend plusieurs peintres connus de cette région du centre du Désert Central comme Mary Rumble, sa sœur. Elle s’inspire le plus souvent de son Rêve de Prune Sauvage mais aussi d’autres thèmes comme le Rêve du Kangourou.

Katrina Nampjinpa Brown est née le 28 mars 1949 à Yuendumu, une communauté aborigène isolée située à 290 km au nord-ouest d'Alice Springs, dans le Territoire du Nord australien. Elle a deux sœurs, Peggy et Violet Brown, et un frère, Johnny Brown. Ses parents sont décédés. Katrina a cinq enfants et plusieurs petits-enfants. Katrina a été scolarisée à Yuendumu. Après ses études, elle a travaillé à la clinique de Yuendumu. Aujourd'hui, Katrina peint à Warlukurlangu et aime chasser pour le plaisir. Elle apprécie particulièrement la chasse aux « ngarlkirdi » (larves de witchetty) et aux « yunkaranyi » (fourmis à miel), deux espèces présentes aux alentours de Yuendumu. Katrina a peint plusieurs thèmes dont :« ngapa Jukurrpa » (le Rêve de l'eau), « yunkaranyi Jukurrpa » (le Rêve des fourmis à miel), « watiyawarnu Jukurrpa » (le Rêve des graines) et « warlukurlangu Jukurrpa » (le Rêve du pays du feu). Ces Rêves se situent à l'ouest de Yuendumu. Le Rêve du pays du feu a également été peint par son père.

KATRINA GILES NAPALTJARRI Alice Springs/Tjukurla Groupe: Ngaatjatjarra, and Pintupi/Luritja Katrina Giles Napaltjarri est la fille de Lyle et Sheila Giles et la petite fille d'Esther Giles Nampitjinpa, une artiste célèbre. Elle compte d'autres artistes connus dans sa famille comme Nyurapayia Nampitjinpa, Tjawina Porter Nampitjinpa ou George Ward Tjungurrayi. Katrina est désormais une initiée est participe pleinement aux cérémonies. Elle s'inspire essentiellement des histoires associées aux sites de Yumara, Punkilpirri et Tjalili.. Les motifs créent un effet de scintillement classique des paysages en constante évolution, la brume de chaleur sur le sol du désert. Le mouvement reflète également la vie d'un nomade, se déplaçant et suivant les pluies pour trouver de l'eau douce, ramassant et chassant de la nourriture jusqu'à ce que le sol ne donne plus rien et poursuivant ainsi son voyage de sites en sites.

KATRINA TJITAYI Katrina est née et a été scolarisée à Ernabella. Sa mère a été l'une des premières enseignantes Anangu à l'école Anangu d'Ernabella dans les années 1940. Après ses études secondaires, Katrina a suivi le programme AnTEP à l'UniSA et a obtenu une licence en éducation. Elle travaille dans le domaine de l'éducation anangu depuis plus de 20 ans, notamment en tant que coordinatrice de l'amélioration scolaire. Elle a commencé à peindre au centre d'art fin 2016, d'abord en peinture, puis en céramique. Ses œuvres ont été exposées en Australie et à l'étranger, notamment à Sydney, Alice Springs, Darwin, Broome, Mittagong et Bruxelles, en Belgique. Mère de deux enfants, Katrina est une fervente défenseure des droits de l'enfant. Elle est auteure et a notamment co-animé et écrit « Red Dirt Curriculum : Re-imagining Remote Education », présenté dans le cadre du cycle de conférences Sidney Myer sur le monde rural en 2013. En 2018, elle a reçu le prix Aunty Josie Agius pour son travail de coordinatrice du bien-être à l'école d'Ernabella, poste qu'elle occupe actuellement.